Ottorino Respighi - Vitrales de iglesia, Impresiones brasileñas

Ottorino Respighi, compositor italiano que vivió entre 1879 y 1936, logró disfrutar de un éxito notable en vida. Sin ser un referente para lo bueno o lo malo, no podemos dejar de agradecerle cierta brillantez en sus orquestaciones, si bien sus obras son bastante frívolas en cuanto a su tratamiento.

Respighi fue un compositor con algunas limitaciones, pero también logró encontrar para sus obras una riqueza tímbrica importante. De alguna forma puede considerársele como heredero de la música programática, nutriéndose de los aportes que hicieron a este estilo desde Berlioz hasta los compositores postrománticos, pasando por el nacionalismo de Rimsky-Korsakov, de quien tomó lecciones en su juventud. De éste compositor en particular vertió mucho en su manera de orquestar.

En el disco de hoy podremos disfrutar "Vitrales de Iglesia", de 1926, donde Respighi utiliza motivos gregorianos y otros elementos de la música de siglos anteriores. En la segunda obra, "Impresiones brasileñas", aborda con madurez aunque algo fríamente influencias de Strauss y Ravel que siempre lo marcaron.

Ottorino Respighi - Vetrate Di Chiesa, Impressione Brasiliane

Intérpretes:

Orquesta Filarmonía

Director: Geoffrey Simon

Formato: Mp3

BitRate: 192 KbpS

Lista de Tracks

01. Vetrate di Chiesa (1926) - I. La Fuga in Egitto

02. Vetrate di Chiesa (1926) - II. San Michele Arcangelo

03. Vetrate di Chiesa (1926) - III. Il Mattutino di Santa Chiara

04. Vetrate di Chiesa (1926) - IV. San Gregorio Magno

05. Impressioni Brasiliane (1928) - I. Notte Tropicale

06. Impressioni Brasiliane (1928) - II. Butantan

07. Impressioni Brasiliane (1928) - III. Canzone e Danza

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Anton Webern - Obras varias

Anton Webern nació en Viena en 1883 y murió en Salzburgo en 1945, víctima de los disparos de un soldado estadounidense borracho. Tenía que ser...

Anton Webern y el no menos célebre Alban Berg estudiaron composición con Arnold Schoenberg, cuya música siempre los influenció notablemente.

Webern fue otro de los incomprendidos, adelantado a la sempiterna sordera musical. Acerca de eso dijo Stravinski:

"Condenado al fracaso total en un mundo sordo de ignorancia e indiferencia, inexorablemente continuó puliendo sus diamantes, sus impresionantes diamantes, de cuyas minas tenía un perfecto conocimiento".

No fue un compositor prolífico, sin embargo su influencia sobre compositores posteriores es enorme.

En sus obras maduras utilizó el sistema dodecafónico de Schoemberg, ampliando la serialización a lo rítmico, melódico y tonal. Ya en el dodecafonismo comienza a verse el serialismo (aún no integral) que fundamentalmente Schoemberg, Berg y Webern desarrollaron como integrantes principales de la segunda escuela de Viena.

En el disco que hoy les traigo podremos disfrutar de las siguientes obras:

Quinteto para cuerdas y piano (1907)

2 Lieder, Op.8 para voz y ocho instrumentos (sobre poemas de Rainer Maria Rilke)

5 piezas para orquesta, Op.10

4 Lieder, Op.13 para voz y orquesta

6 Lieder, Op.14 para voz, clarinete, clarinete bajo, violín y chelo (sobre poemas de Georg Trakl)

5 cantos sacros, Op.15 para voz, flauta, clarinete, clarinete bajo, trompeta, arpa, violín y viola

5 Canons, Op.16 para soprano aguda, clarinete y clarinete bajo (sobre textos latinos)

3 textos populares, Op.17 para voz, violín, viola, clarinete y clarinete bajo

3 Lieder para voz, clarinete en mi bemol y guitarra, Op.18

2 Lieder para coro mixto, Op.19 acompañado por celesta, guitarra, violín, clarinete y clarinete bajo

Cuarteto, Op.22 para violín, clarinete, saxofón tenor y piano

Concerto, Op.24 para flauta, oboe, clarinete, trompa, trompeta, trombón, violín, viola y piano

Sello discográfico: Deutsche Grammophon

Año: 1992

Intérpretes:

Françoise Pollet - soprano [3-4,10-19]
Christiane Oelze - soprano [20-35]
Pierre-Laurent Aimard - piano [38-42]
BBC Singers (Malcolm Hicks) [2,36-37]

Ensemble Intercontemporain

Director: Pierre Boulez

Lista de Tracks

01 - Quintett Für Streicher Und Klavier - Moderato

02 - 'Entflieht Auf Leichten Kähnen' Op. 2

03 - 2 Lieder Op. 8 - 1. 'Du, Der Ichs Nicht Sage'

04 - 2 Lieder Op. 8 - 2. 'Du Machst Mich Allein'

05 - 5 Orchesterstücke Op. 10 - 1. Sehr Ruhig Und Zart

06 - 5 Orchesterstücke Op. 10 - 2. Lebhaft Und Zart Bewegt

07 - 5 Orchesterstücke Op. 10 - 3. Sehr Langsam Und Äußerst Ruhig

08 - 5 Orchesterstücke Op. 10 - 4. Fließend Und Äußerst Zart

09 - 5 Orchesterstücke Op. 10 - 5. Sehr Fließend

10 - 4 Lieder Op. 13 - 1. Wiese Im Park 'Wie Wird Mir Zeitlos'

11 - 4 Lieder Op. 13 - 2. Die Einsame 'An Dunkelblauem Himmel'

12 - 4 Lieder Op. 13 - 3. In Der Fremde 'In Fremdem Lande Lag Ich'

13 - 4 Lieder Op. 13 - 4. Ein Winterabend 'Wenn Der Schnee Ans Fenster Fällt'

14 - 6 Lieder Op. 14 - 1. Die Sonne 'Täglich Kommt Die Gelbe Sonne'

15 - 6 Lieder Op. 14 - 2. Abendland I 'Mond, Als Träte Ein Totes'

16 - 6 Lieder Op. 14 - 3. Abendland II 'So Leise Sind Die Grünen Wälder'

17 - 6 Lieder Op. 14 - 4. Abendland IV 'Ihr Großen Städte Steinern Gebaut'

18 - 6 Lieder Op. 14 - 5. Nachts 'Die Bläue Meiner Augen'

19 - 6 Lieder Op. 14 - 6. Gesang Einer Gefangenen Amsel 'Dunkler Odem Im Grünen Gezweig'

20 - 5 Geistliche Lieder Op. 15 - 1. 'Das Kreuz, Das Mußt' Er Tragen'

21 - 5 Geistliche Lieder Op. 15 - 2. Morgenlied 'Steht Auf, Ihr Lieben Kinderlein'

22 - 5 Geistliche Lieder Op. 15 - 3. 'In Gottes Namen Aufstehn'

23 - 5 Geistliche Lieder Op. 15 - 4. 'Mein Weg Geht Jetzt Vorüber'

24 - 5 Geistliche Lieder Op. 15 - 5. 'Fahr Hin, O Seel', Zu Deinem Gott'

25 - 5 Canons Op. 16 - 1. 'Christus Factus Est'

26 - 5 Canons Op. 16 - 2. 'Dormi Jesu, Mater Ridet'

27 - 5 Canons Op. 16 - 3. 'Crux Fidelis'

28 - 5 Canons Op. 16 - 4. 'Asperges Me, Domine'

29 - 5 Canons Op. 16 - 5. 'Crucem Tuam Adoramus, Domine'

30 - 3 Volkstexte Op. 17 - 1. 'Armer Sünder, Du'

31 - 3 Volkstexte Op. 17 - 2. 'Liebste Jungfrau, Wir Sind Dein'

32 - 3 Volkstexte Op. 17 - 3. 'Heiland, Unsre Missetaten'

33 - 3 Lieder Op. 18 - 1. 'Schatzerl Klein'

34 - 3 Lieder Op. 18 - 2. Erlösung - 'Mein Kind, Sieh An'

35 - 3 Lieder Op. 18 - 3. 'Ave, Regina Coelorum'

36 - 2 Lieder Op. 19 - 1. 'Weiß Wie Lilien'

37 - 2 Lieder Op. 19 - 2. 'Ziehn Die Schafe'

38 - Quartett Op. 22 - 1. Sehr Mäßig

39 - Quartett Op. 22 - 2. Sehr Schwungvoll

40 - Konzert Op. 24 - 1. Etwas Lebhaft

41 - Konzert Op. 24 - 2. Sehr Schwungvoll

42 - Konzert Op. 24 - 3. Sehr Rasch

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Arnold Schoenberg - Noche transfigurada, sinfonia de camara No.1

En mi opinión Schoenberg puede ser considerado el primer compositor verdaderamente contemporáneo, el real comienzo musical del siglo XX. Claro que esto es bastante subjetivo y a fin de cuentas poco importa clasificarlo y sí mucho disfrutarlo.

Arnold Schoenberg nació en Viena en 1874 y murió en Los Ángeles en 1951. Pertenece al grupo de compositores incomprendidos en su tiempo. Al parecer esa incomprensión es un indicativo de que estás haciendo bien las cosas, pues sucedió con Bach, Beethoven, Wagner y muchos otros que han tenido que ser reconocidos como genios posteriormente, a veces en contraposición con el sentimiento anterior son sublimados hasta el extremo. Es que así somos.

Schoenberg es nada menos que el creador del dodecafonismo, sistema que reduce a la nada la tonalidad, dándole a cada una de las doce notas posibles el carácter de fundamental. Termina de una vez el centro tonal, todas las notas tienen la misma importancia.

El dodecafonismo es sin dudas el imprescindible primer paso para el desarrollo de sistemas posteriores que definen la música de concierto del siglo XX.

Schoenberg no fue un alumno de conservatorio, sino que el autodidactismo juega un papel fundamental en su carrera de compositor.

Es interesante que a pesar de haber sido un gran innovador, Schoenberg no se vea a sí mismo más que como al continuador de una tradición musical que principia en Bach. solo el eslabón de una cadena, la lógica consecuencia de todo lo que le antecedió en la composición musical, sobre todo alemana.

El sexteto para cuerdas "Noche Transfigurada" escrito en 1899, se considera su primera obra maestra. Aquí subyace lo que definiría a Schoenberg como maestro innovador, pero aún la influencia neorromántica se hacía sentir.

La sinfonía de cámara No.1, escrita para 15 instrumentos solistas en 1907, significa el comienzo de la etapa expresionista de Schoenberg, divorciada ya absolutamente de la tonalidad.

La versión de "Noche Transfigurada" que hoy les traigo es la que realizó el compositor en 1917 para orquesta de cuerdas.

Arnold Schoenberg - Noche transfigurada, sinfonia de camara No.1

Año: 1994

Intérpretes:

Tapióla Sinfonietta

Director: Jean-Jacques Kantorow

Formato: Mp3

BitRate: 192 KbpS

Lista de Tracks

01 - Noche Transfigurada

02 - Sinfonia de Camara nº 1

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Erik Satie - Obras para Piano

Erik Satie fue un tipo bastante singular, aunque si se mira bien perfectamente enmarcado en la realidad francesa de su tiempo.

Satie vivió entre 1866 y 1925. Comenzó a estudiar en un conservatorio a edad temprana, pero todo lo que significaba seguir reglas por mucho tiempo le producía un gran hastío, así que interrumpió sus estudios y no volvió a ingresar en un conservatorio hasta sus 40 años, para asombro de muchos.

Espíritu irreverente, lo que hoy pudiéramos llamar conductual, Satie volcó en su música todo su afán de romper con lo establecido. A él le debemos la ruptura con la tonalidad de forma definitiva y cierta influencia sobre el futuro serialismo integral, incluso el minimalismo.

Con todo, sus obras son de factura más bien sencilla y poseen un lirismo que tal vez no nos haría pensar en un espíritu tan inquieto.

Hoy les traigo un disco con algunas de las obras pianísticas más representativas de Erik Satie, ejecutadas por el también francés Jean-Yves Thibaudet, a quien algunos sitúan entre sus principales intérpretes.

Erik Satie - Obras para Piano

Formato: Mp3

BitRate: 192 KbpS

Lista de Tracks

01 - Trois sarabandes, Sarabande n° 1 - 1887

02 - Trois sarabandes, Sarabande n° 2 - 1887

03 - Trois sarabandes, Sarabande n° 3 - 1887

04 - Trois Gymnopédies, Gymnopédie n° 1 - 1888

05 - Trois Gymnopédies, Gymnopédie n° 2 - 1888

06 - Trois Gymnopédies, Gymnopédie n° 3 - 1888

07 - Gnossiennes, Gnossienne n° 5 - 1889

08 - Gnossiennes, Gnossienne n° 1 (Trois Gnossiennes) - 1890

09 - Gnossiennes, Gnossienne n° 2 (Trois Gnossiennes) - 1890

10 - Gnossiennes, Gnossienne n° 3 (Trois Gnossiennes) - 1890

11 - Gnossiennes, Gnossienne n° 4 - 1891

12 - Gnossiennes, Gnossienne n° 6 - 1897

13 - Gnossiennes, Gnossienne n° 7 -

14 - Petite ouverture à danser - 1897

15 - Pièces froides-6 pieces pour piano, Airs à faire fuir I - 1897

16 - Pièces froides-6 pieces pour piano, Airs à faire fuir II - 1897

17 - Pièces froides-6 pieces pour piano, Airs à faire fuir III - 1897

18 - Pièces froides-6 pieces pour piano, Danses de travers I - 1897

19 - Pièces froides-6 pieces pour piano, Danses de travers II - 1897

20 - Pièces froides-6 pieces pour piano, Danses de travers III - 1897

21 - The dreamy fish - 1901

22 - The angora ox - 1904

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Bela Bartok - El Castillo de Barba Azul

Me complace mucho presentar en este post a uno de los compositores más importantes de la historia de la música.

Bela Bartok, compositor húngaro que vivió entre 1881 y 1945, es uno de esos grandes que no pueden encasillarse en un estilo determinado. Su música es solo suya, con un sello particular que le da una completa originalidad.

En los inicios de su carrera tuvo cierta influencia de la última etapa del romanticismo, influido sobre todo por las últimas obras de Brahms y Richard Strauss. Con todo se perfilaba una originalidad sin émulos en su tiempo.

Lo que pudiéramos llamar segunda etapa compositiva de Bartok estuvo influida de algún modo por el impresionismo, aunque supo desmarcarse absolutamente para tomar solo aspectos del estilo y crear el suyo propio.

La última etapa nos muestra al Bela Bartok absoluto, diferente, original. Su originalidad no reside solo en escribir novedades musicales sin un verdadero parentesco con otras formas, sino y sobre todo en la composición de verdaderas obras maestras utilizando sus propias herramientas. Es obvio que no inventó la música y que todo lo que antes se hizo tuvo que influir en su actividad compositiva, pero Bela Bartok es un nombre que representa a una forma de hacer maravillas.

Hoy les traigo la única ópera compuesta por Bela Bartok, perteneciente al período de influencia impresionista ya mencionado. El castillo de Barba Azul fue terminada en 1911 y estrenada en la capital húngara en 1918, coincidiendo con el fin de la I guerra mundial.

En la carpeta contenedora del disco encontrarán el libreto de la ópera en húngaro y castellano.

En el castillo de Barba Azul, ópera en un acto con libreto de Bela Balasz, intervienen solo tres personajes, el locutor que realiza el prólogo hablado, Barba Azul y Judith.

Judith está enamorada perdidamente de Barba Azul y sin que éste se dé cuenta lo sigue hasta su castillo. Allí se inicia en el conocimiento de los intrincados mecanismos del alma humana. Barba Azul le entrega las siete llaves de sendas puertas que Judith abre una por una. Al abrir la primera encuentra una cámara de tortura donde haya los tormentos sufridos por el propio Barba Azul. Detrás de la segunda puerta hay todo un arsenal de armas que reflejan las luchas del hombre a través del tiempo. Detrás de la tercera puerta hay nada menos que un tesoro manchado de sangre, símbolo que expresa la imposibilidad de la acción sin algún daño correspondiente. El magnífico jardín que descubre tras la cuarta puerta también está lleno de manchas de sangre detrás de unas maravillosas flores. Al trasponer la sexta puerta Judith encuentra un mar que contiene todas las lágrimas de una vida, presumiblemente la de Barba Azul. Él pretende abrazar a Judith y ser redimido por ella de su pasado. Trata de disuadirla de seguir adelante, pues sabe lo que le espera a su amada tras el próximo umbral. Él quiere interrumpir la infernal cadena y así salvarse a través del amor de Judith. La muchacha quiere continuar y le pide la séptima llave. Barba Azul se la da y es así como encuentra un aposento donde están las amantes anteriores de Barba Azul, las de la mañana, el mediodía y la tarde. Él le pone a Judith el manto de estrellas y la diadema de la noche, tras lo cual la joven se incorpora al grupo de amantes junto a sus predecesoras. Así Barba Azul se queda nuevamente sólo una vez más.

Barba Azul representa al hombre con todas sus virtudes y miserias, aunque son estas últimas las que quedan resaltadas.

El castillo de Barba Azul no es una ópera precisamente fácil de escuchar ni fue concebida para el deleite del gran público. En ella no encontraremos dúos ni arias dulces.

Bela Bartok - El Castillo de Barba Azul

Intérpretes:

Barba Azul: Kolos Kovats

Judith: Sylvia Sass

Locutor: Istvan Sztankay

Orquesta Filarmónica de Londres

Director: Georg Solti

Formato: Mp3

BitRate: 192 KbpS

Lista de Tracks

01. Prologue - Opening

02. Door 1

03. Door 2

04. Door 3

05. Door 4

06. Door 5

07. Door 6

08. Door 7

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Ravel - Obras orquestales

Si Debussy fue el responsable del desmarque de la diferencia tímbrica del impresionismo para el piano, Maurice Ravel, también impresionista, fue el que moldeó el impresionismo musical con una concepción orquestal realmente atrayente.

Buscar lo formal o espiritual en el impresionismo no tiene sentido, pues los que compusieron bajo ese estilo pretendían romper con el clasicismo y el romanticismo en lo que tiene que ver con sus aspectos principales. Es por eso que lo predominante en los compositores impresionistas es lo pictórico y los recursos tímbricos con que justamente buscaban imprimir imágenes.

Claro está que no se trata de decir que los impresionistas no hubieran hecho obras de belleza, incluso subjetivamente espirituales. La pavana para una infanta difunta de Ravel es un ejemplo, también el claro de luna de Debussy y muchas más.

En los discos que hoy traigo quedan manifiestas las condiciones excepcionales de Maurice Ravel para trabajar con la orquesta. Entre otras obras tenemos su más que famoso "Bolero", fantástico paseo orquestal donde se exploran todas las familias de instrumentos y posibilidades dinámicas, concluyendo en una apoteosis infernal para los grabadores que persiguen la ausencia de saturación sonora.

Los dejo ya con la pequeña biografía de Maurice Ravel que extraje de "Biografías y Vidas".

Maurice Ravel

(Ciboure, Francia, 1875-París, 1937) Compositor francés. Junto a Debussy, con quien se le suele relacionar habitualmente, es el gran representante de la moderna escuela musical francesa. Conocido universalmente por el Bolero, su catálogo, aunque no muy extenso, incluye una serie de obras hasta cierto punto poco conocidas que hablan de un autor complejo, casi misterioso, que evitaba cualquier tipo de confesión en su música. Un autor que concebía su arte como un precioso artificio, un recinto mágico y ficticio alejado de la realidad y las preocupaciones cotidianas. Stravinski lo definió con acierto como «el más perfecto relojero de todos los compositores», y así hay que ver su música: como la obra de un artesano obsesionado por la perfección formal y técnica de su creación.

Nacido en el País Vasco francés, heredó de su padre, ingeniero suizo, su afición por los artilugios mecánicos –cuyos ecos no son difíciles de encontrar en su música– y de su madre, de origen vasco, su atracción por España, fuente de inspiración de muchas de sus páginas. Aunque inició sus estudios musicales a una edad relativamente tardía, cuando contaba siete años, siete más tarde, en 1889, fue admitido en el Conservatorio de París, donde recibió las enseñanzas, entre otros, de Gabriel Fauré.

Discreto pianista, su interés se centró pronto en la composición, campo en el que dio muestras de una gran originalidad desde sus primeros trabajos, como la célebre Pavana para una infanta difunta, si bien en ellos es todavía perceptible la huella de su maestro Fauré y de músicos como Chabrier y Satie. La audición del Prélude à l'après-midi d'un faune, de Debussy, marcó sus composiciones inmediatamente posteriores, como el ciclo de poemas Schéhérazade, aunque pronto se apartó de influencias ajenas y encontró su propia vía de expresión.

En 1901 se presentó al Gran Premio de Roma, cuya obtención era garantía de la consagración oficial del ganador. Logró el segundo premio con una cantata titulada Myrrha, escrita en un estilo que buscaba adaptarse a los gustos conservadores del jurado y que para nada se correspondía con el que Ravel exploraba en obras como la pianística Jeux d'eau, en la que arrancaba del registro agudo del piano nuevas sonoridades. Participó otras tres veces, en 1902, 1903 y 1905, sin conseguir nunca el preciado galardón. La última de ellas, en la que fue eliminado en las pruebas previas, provocó un escándalo en la prensa que incluso le costó el cargo al director del Conservatorio.

Sin necesidad de confirmación oficial alguna, Ravel era ya entonces un músico conocido y apreciado, sobre todo gracias a su capacidad única para tratar el color instrumental, el timbre. Una cualidad ésta que se aprecia de manera especial en su producción destinada a la orquesta, como su Rapsodia española, La valse o su paradigmático Bolero, un auténtico ejercicio de virtuosismo orquestal cuyo interés reside en la forma en que Ravel combina los diferentes instrumentos, desde el sutil pianissimo del inicio hasta el fortissimo final. Su música de cámara y la escrita para el piano participa también de estas características.

Hay que señalar, empero, que esta faceta, aun siendo la más difundida, no es la única de este compositor. Personaje complejo, en él convivían dos tendencias contrapuestas y complementarias: el placer hedonista por el color instrumental y una marcada tendencia hacia la austeridad que tenía su reflejo más elocuente en su propia vida, que siempre se desarrolló en soledad, al margen de toda manifestación social, dedicado por entero a la composición. Sus dos conciertos para piano y orquesta, sombrío el primero en re menor, luminoso y extrovertido el segundo en Sol mayor, ejemplifican a la perfección este carácter dual de su personalidad.

Ravel - Orchestral Music

Intérpretes:

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam

Director: Bernard Haitink

Formato: Mp3

BitRate: 192 KbpS

Lista de Tracks:

CD 1:

01 - Bolero

02 - Alborada del gracioso

03 - Rhapsodie espagnole Prelude a la nuit

04 - Rhapsodie espagnole Malaguena

05 - Rhapsodie espagnole Habanera

06 - Rhapsodie espagnole Feria

07 - La Valse

08 - Pavane pour une infante defunte

09 - Valses nobles et sentimentales Modere

10 - Valses nobles et sentimentales Assez lent

11 - Valses nobles et sentimentales Modere

12 - Valses nobles et sentimentales Assez anime

13 - Valses nobles et sentimentales Presque lent

14 - Valses nobles et sentimentales Vif

15 - Valses nobles et sentimentales Moins vif

16 - Valses nobles et sentimentales Epilogue Lent

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CD 2:

01 - Menuet antique

02 - Le tombeau de Couperin Prelude

03 - Le tombeau de Couperin Forlane

04 - Le tombeau de Couperin Menuet

05 - Le tombeau de Couperin Rigaudon

06 - Ma mere l'Oye Prelude

07 - Ma mere l'Oye Danse du rout et scene - Interlude

08 - Ma mere l'Oye Pavane de la Belle au bois dormant

09 - Ma mere l'Oye Interlude

10 - Ma mere l'Oye Entretienes de la Belle et de la Bete

11 - Ma mere l'Oye Interlude

12 - Ma mere l'Oye Petit Poucet

13 - Ma mere l'Oye Interlude

14 - Ma mere l'Oye Laideronette, imperatrice des pagodes

15 - Ma mere l'Oye Interlude

16 - Ma mere l'Oye Apotheose le jardin feerique

17 - Daphins et Chloe Suite No 2, Lever du jour

18 - Daphins et Chloe Suite No 2, Pantomime

19 - Daphins et Chloe Suite No 2, Danse generale

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Debussy - Música para Piano

Es muy probable que pueda considerarse a Claude Debussy como el primer compositor de la obra pianística moderna. Él dejó atrás definitivamente el romanticismo del siglo XIX para sumergirse en el impresionismo musical. Comenzó tal vez antes que nadie a utilizar enlaces armónicos en el piano que hasta entonces se pasaban por alto. Es fantástico comprobar la enorme vigencia del lenguaje musical pianístico de Debussy. No se puede creer que hayan pasado más de cien años de la concepción de esas obras.

El disco que hoy traigo contiene 3 estampas, la suite Bergamasque, El cuaderno de los niños, entre otras obras. La interpretación corre a cargo del famoso pianista Alexis Weissenberg.

Los dejo ahora con una muy buena biografía de Claude Debussy extraída de "Biografías y Vidas".

(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

Ya en su niñez había iniciado el estudio del plano en su hogar; sin embargo, no pensaba entonces en la carrera musical. Fue una antigua discípula de Chopin, la señora Manté de Fleurville, quien intuyó la vocación del muchacho e indujo a sus familiares a cultivarla. De esta forma, Debussy ingresó en 1873 en el Conservatorio de París; allí tuvo por maestros, entre otros, a Lavignac, a Marmontel y, en composición, a Ernest Guiraud.

Grato paréntesis en sus estudios fue, en el verano de 1880, su empleo de acompañante como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora de Chaikovski y fanática de su música, en sus viajes a través de la Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del "grupo de los Cinco".

En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome" con la cantata El hijo pródigo, que presenta al joven compositor aún envuelto en la amable sensualidad melódica propia del gusto de Massenet, pero también capaz de esbozar un aria perfecta en su género, como la de Lía. Los tres años pasados en Villa Médicis resultaron enojosos para el joven Debussy, que no sentía inclinación alguna por el clasicismo romano y con gran amargura echaba de menos París y su vida intelectual, inquieta y moderna.

De Roma se trajo la cantata La Demoiselle élue (1887-88, La damisela bienaventurada), sobre un texto de D. G. Rossetti y de un gusto prerafaelista muy propio de la época; todavía arrastrado por un sentimentalismo hijo del siglo XIX, y musicalmente situado entre Massenet y Chaikovski, Debussy buscaba a tientas la salida hacia una nueva concepción artística y cayó, como era natural, en el wagnerismo. Más bien que de experiencias musicales (entre ellas contaron singularmente las llevadas a cabo en Rusia y el descubrimiento del canto gregoriano y de melodías exóticas africanas y javanesas, presentadas en la Exposición Universal de París), la liberación le vino de literatos y pintores: la amistad de poetas simbolistas y parnasianos, dominados por la figura de Mallarmé, y el ejemplo de renovación de la pintura impresionista fueron las fuerzas determinantes que impulsaron al compositor hacia un camino artístico original.

Las obras líricas para canto y piano son las composiciones que permiten seguir mejor la evolución lógica del artista desde un formalismo melódico de gusto un tanto aburguesado hasta la creación de una prosa poética intensamente evocadora; así, Arietas olvidadas (1888), Cinco poemas de Baudelaire (1890), Fêtes galantes (1892 y 1904), Prosas líricas (1893) y Tres canciones de Bilitis (1898). De tal forma se forjó el nuevo lenguaje musical y dramático que le permitió aportar una solución personal al problema de la ópera con Pelléas et Mélisande, sobre texto de M. Maeterlinck y representada en la Opéra-Comique el 30 de abril de 1902 (su composición había durado diez años); el éxito fue muy discutido y sólo con gran lentitud la ópera llegó a conquistar el puesto que le correspondía en la historia de la música, como etapa básica en el desarrollo del teatro musical.

En una segunda etapa, alcanza el primer plano de la producción de Debussy la música instrumental. De las posiciones de elegancia un tanto formalista propias de los dos Arabesque (1888) y de la Suite bergamasque (1890), para piano, así como del Cuarteto (1893) y del Preludio a la "Siesta de un fauno", de 1892, el compositor llegó, sobre todo en el ámbito pianístico, a la creación de un impresionismo musical que llevó a las últimas consecuencias la disolución de las formas clásicas realizada por el romanticismo y, al mismo tiempo, abrió las puertas al futuro. Con ello se produjo el tránsito del momentáneo clasicismo de Para el piano (1901) a la libertad impresionista de Estampas (1903), de L'isle joyeuse (1904) y de las dos colecciones de Imágenes (1905 y 1907).

A la engañosa facilidad de El rincón de los niños (1908), obra abierta a sugerencias y temas de la vida actual, a pesar de su tema infantil, siguió, con los dos tomos de los Preludios (1910 y 1913), el equilibrio definitivo de la composición moderna para piano. La devolución a la música del sentido de la precisión fónica, o sea la conversión de la pieza instrumental en un consistente objeto sonoro donde se cobijan los eventuales valores expresivos sin menoscabo de su solidez, permite considerar realmente a Debussy como el iniciador de las tendencias musicales de la actualidad: en la estela de Estampas se desarrolla el florecimiento de las modernas obras de piano, con Ravel, Bartók, Schoenberg y Prokofieff.

En oposición a la perfección alcanzada en el lenguaje pianístico hay que reconocer, posiblemente, una menor seguridad en la evolución comunicada por el compositor al impresionismo orquestal, y ello a pesar del pomposo interés por la fantasía en el timbre y por la sensualidad sonora manifestados en los poemas sinfónicos; en realidad, ni El mar (1905) ni Imágenes (1909), para orquesta, renuevan por completo la equilibrada concisión de los tres Nocturnos (1899).

Hacia 1910 cabe situar la aparición en el arte del músico de una nueva orientación clasicista y arcaizante que tiende a reaccionar contra la dispersión impalpable del impresionismo en el ambiente, manifestada en la restauración de una necesidad de precisión fónica e incluso formal cada vez más consciente. En un decidido salto por encima de los últimos siglos, Debussy buscó en el XVI y en el XVII los orígenes culturales del arte y del gusto franceses (la primera Guerra Mundial acabaría de fortalecer en el músico un proceso ya iniciado de enlace con las tradiciones de la civilización nacional).

En el segundo cuaderno de las Fêtes galantes habían aparecido ya formas melódicas arcaizantes; asimismo, algunos textos de antiguos poetas franceses pasan a ocupar el lugar de los versos de los simbolistas y parnasianos predilectos en Tres canciones de Francia (1904), Tres baladas de François Villon (1910) y Tres canciones de Charles d'Orléans (1908), para coro polifónico y abiertamente inspiradas en los modos de la antigua canción típica de Francia. La renacida voluntad de clasicismo y de reconstitución formal se manifestó claramente en el proyecto de seis Sonatas para varios instrumentos diversamente agrupados, idea surgida en el curso de la Guerra Mundial y que el artista sólo pudo llevar a cabo en su mitad, con la audaz Sonata para violoncelo y piano (1915), la Sonata para flauta, arpa y viola (1915), y la Sonata para violín y piano, que ha alcanzado gran popularidad.

Sin embargo, el principal monumento de esta última fase del arte de Debussy, tan abierta hacia las perspectivas artísticas del futuro, sigue siendo una obra maestra todavía mal apreciada, la partitura de El martirio de San Sebastián (1911), donde la elevación de los valores musicales aparece algo menoscabada por el artificioso rebuscamiento del texto dannunziano y, sobre todo, por el carácter híbrido del espectáculo escénico, ni ópera ni ballet, sino mescolanza de recitación y canto destinada a la interpretación de Rubinstein.

La existencia del compositor se desenvolvió en un plano retirado y careció de acontecimientos sensacionales externos, salvo la dolorosa crisis sentimental que indujo al artista a separarse de su esposa Rosalie Texier, compañera fiel y valerosa de los años difíciles, para unirse a Emma Bardac Moyse (1905). Raramente y con desgana se alejaba de París. En 1893 fue a Gante para pedir a Maeterlinck que le permitiera poner música a su drama; el literato le dio su asentimiento, si no su comprensión. En 1909 estuvo en Londres con motivo de la presentación de Pelléas en aquel país.

Luego, la fama creciente le obliga a estancias en Viena y Budapest (1910), Turín (1911), Rusia (1913-14), Holanda y Roma (1914) para la dirección de sus propias composiciones. No ocupó cargos ni buscó jamás puestos estables; careció de discípulos y sí tuvo únicamente amigos, con quienes gustaba de hacer música, conversar y discutir sobre arte y poesía. Actuó frecuentemente como colaborador musical en diversas revistas, generalmente literarias, y reunió los principales frutos de tal colaboración en el volumen Monsieur Croche, antidilettante (1917). Operado en 1915 de un cáncer intestinal, no pudo recobrar ya la plenitud de sus fuerzas físicas, y moría en 1918, amargado y conmovido profundamente por los desastres de la guerra.

Alexis Weissenberg - Debussy

Formato: Mp3

BitRate: 192 KbpS

Lista de Tracks

01 - Estampes - I. Pagodes

02 - Estampes - II. La Soirée dans Grenade

03 - Estampes - III. Jadins sous la pluie

04 - Etude No XI pour les Arpèges Composés

05 - Suite Bergamasque - Prélude

06 - Suite Bergamasque - Menuet

07 - Suite Bergamasque - Clair de Lune

08 - Suite Bergamasque - Passepied

09 - Children's Corner - I. Doctor Gradus ad Parnassum

10 - Children's Corner - II. Jimbo's Lullaby

11 - Children's Corner - III. Serenade for the Doll

12 - Children's Corner - IV. The Snow is Dancing

13 - Children's Corner - V. The Little Shepherd

14 - Children's Corner - VI. Golliwogg's Cake-walk

15 - La Fille aux Cheveux de Lin

16 - L'Isle Joyeuse

17 - La Plus que Lente

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